Десять самых востребованных казахстанских художников-классиков

Прежде всего необходимо уточнить методику составления рейтинга. В учёт брались продажи произведений художников за последние три года в их количественном выражении, а не в денежном.

Необходимо понимать, что, к примеру, одна акварельная работа Абылхана Кастеева в стоимостном выражении может быть эквивалентна пятью работам Сахи Романова. Также надо учитывать, что все произведения художников являются уникальными и имеют индивидуальную стоимость, зависящую от множества факторов, таких как: время создания, сюжет, уровень исполнения... ну и размер, конечно, тоже. Именно поэтому все параметры являются приблизительными и могут колебаться в довольно значительных пределах.

Ещё один немаловажный фактор - это плодовитость художника и общее количество его творческого наследия, находящегося в частной собственности. Например работ Тельжанова и Калмыкова очень немного находится в частных руках, а вот Шарденова и Романова - в разы больше. В то же время показатели рейтинга дают представления о востребованности того или иного автора на арт-рынке Казахстана в течение последних трёх лет.

Первое место со значительным отрывом занимает самый, наверное, узнаваемый художник со своим живописным почерком Жанатай Шарденов.

Писавший в своей исключительной пастозной технике c широкими динамичными мазками, он наполнял стремительностью и лёгкостью всё, что наносил на холст. Зарубежные коллеги, увидев работы Шарденова, сравнивали его с Ван Гогом,  а его самого называли казахским Шарденом, сопоставляя с известным французским живописцем XVIII века Жан-Батистом Шарденом.

Первое признание к Жанатаю пришло благодаря приехавшему в Казахстан в 1962 американскому художнику Ронуэллу Кенту.  Далее, уже в Москве, Жанатая высоко оценил известный художник Мартирос Сарьян. Признание стало очевидным и очень долгожданным для Жанатая; наконец-то все не понимающие его манеру живописи вынуждены были вслед за мировым мастером увидеть в работах художника незаурядное и высокоталантливое мастерство.

Эту картину можно сравнить с самой известной работой автора «Серебристые горы Алатау», которая хранится в музее Кастеева. Эта работа также написана в зрелом периоде творчества художника, овладевшего ярко выраженным чувством цвета, и, действительно, передаёт не менее 50 оттенков серого, от светлого, холодного, до тёмного и глубоко насыщенного. Цветовая палитра в сочетании с динамичностью мазка отражает авторский почерк мастера.

Следующим идёт основоположник казахстанской живописи Абылхан Кастеев, фамилия которого известна самой широкой аудитории.

Первый профессиональный художник-казах, несмотря на то что был учеником Николая Хлудова, по праву считается абсолютным самородком и мастером, упорно трудившимся с самых ранних лет и, вопреки всем трудностям, никогда не перестававший рисовать. Впервые рисунки Абылхана были замечены ещё до революции - в то время он работал дворником. В Кызылорде были готовы принять даровитого юношу на обучение, но у него не было денег на билет туда. Всю свою жизнь Кастеев жил в нужде, но продолжал путь первого художника страны, как будто чувствуя свою важную роль и ответственность.

Долгая несправедливость, несмотря на все регалии и звания народного художника, преследовала запредельно скромного Абылхана, но, несмотря ни на что, он продолжал учиться и совершенствоваться в живописи, вошёл в историю и показал пример сильного и несломленного борца за искусство.

Одна из основных особенностей реалистической живописи Кастеева заключается в его отношении к природе и в целом к миру: он настолько уважал и восхищался созданным творцом миром, что пытался старательно повторить ту красоту, которую видел, не решаясь вносить при этом свои личные коррективы.

Спокойный пейзаж пастбища, кажется, ничем не может быть потревожен. Перед нами солнечный день из жизни казахского народа и его близости к природе.

Художник не расставляет акценты, а всё, что изображает, наделяет равными силами. Силу труда передаёт через доение кобылиц, важность семьи - через прогуливающегося отца с ребёнком, в то время пока мать готовит вкусный обед на огне, аромат которого проносится через весь сюжет. Могущество природы передают горы. Туман наполняет пейзаж тёплой дымкой. Создается атмосфера спокойствия и умиротворения.

На третьем месте с минимальным отставанием расположился художник кино и жизнелюбивый мастер лирико-эпических сюжетов Сахи Романов.

Будучи с самого раннего детства наполненным глубоким чувством любви к своей родной земле, Сахи преодолевает путь от ведущего художника казахской киноиндустрии до мастера, внесшего значительный вклад в национальное изобразительное искусство.

Непросто выделить наиболее важные принципы в творческом выражении художника. Работая над своим стилем, Сахи уделяет особое внимание не только изображаемым типажам, поиску цветовых ощущений, но и общему впечатлению от увиденного. Художник говорил, что для него важно «услышать цветовой звук земли, передать в цвете её запах».

Задумчивый образ и поза изображаемого героя являются неким эмоциональным основанием, от которого исходит глубокая внутренняя мысль, невысказанная сдержанность. На втором плане показана семья, светлая, спокойная, тёплая. Все убранство юрты заключает в себе тесную связь с персонажами, создаёт единый колоритный орнамент из приглушённых мягких красок.

Четвёртое место принадлежит выдающемуся графику Евгению Сидоркину.

Так уж вышло, что самый «казахский» по своим работам художник был русским по происхождению. Конечно же, это было бы невозможно без любви, любви к красивой казашке Гульфайруз Исмаиловой. Благодаря ей он покинул Ленинград, где был на особом счёту по уровню своего таланта. Приехав на родину своей жены, он глубоко проникся необыкновенным колоритом, культурой, народом и обычаями.

Все работы Евгения отражают сильные чувства и уважение к новой для него культуре. Его графические фигуры с выразительными чёрными силуэтами и белыми линиями, твёрдые и пластичные одновременно, фактурны и композиционно смелы.

За свою серию литографических работ, написанных для книги «Читая Сакена Сейфулина», художник получил золото на выставке в Германии, где обошёл Пабло Пикассо и других известных авторов. Помимо графики он создавал грандиозные монументальные росписи и мозаичные фрески. На всех этапах своего творческого пути не отходил от выбранного им изображения национального эпоса и в целом всего, что заключает в себя культура Казахстана.

Все пространство этой работы заполняет  семья, изображённая скульптурно точно. Семья, большая и сплочённая, устремлённо движется вперёд. Суровые и сосредоточенные лица взрослых контрастируют с беззаботностью детей. Использование лошадей символично и отсылает к кочевому образу жизни к постоянному движению, переменам.

Далее идёт новатор Салихитдин Айтбаев.

Лидер нового поколения художников 60-х годов, ученик Молдахмета Кенбаева, он cмело и беспощадно уходил от академической живописи, много экспериментировал в стилях, увлекался кубизмом и в целом постимпрессионизмом, нередко обращался к символам и знакам, создавая метафоричные картины.

Творческий почерк Айтбаева постоянно менялся и становился более выдержанным в цветах и формах. Но что оставалась неизменно, так это первостепенная мощь и сила человека, изображённого крупным планом и превосходящего не менее могущественную природу.  Большинство работ отличает плоскостность в сочетании с чёткостью фигур и смелой, яркой игрой цвета. Его масштабные, строгие и убедительные по силе мазки выдают пылкую и экспрессивную натуру,  без страха движущуюся к новым временам.

На представленной колористически яркой и контрастной картине с выраженным буйством красок спокойно и безмятежно прилёг чабан: видно, что он не спит, а лишь сладко дремлет. Его лицо выражает счастливую улыбку, он нежно обнимает спящего малыша, словно боясь сменить позу и тем самым потревожить ребёнка. Вся картина настолько пропитана теплотой и уютом, что даже яркие, маскарадно контрастные цвета интерьера становятся мягкими и спокойными, и в этом снова и снова узнаётся Айтбаев со своей способностью наделять изображаемых людей сверхкачеством менять окружающую действительность под себя.

Чуть ниже разместился высокохудожественный Молдахмед Кенбаев.

Глядя на его картины, о художнике можно смело говорить как о человеке огромной силы духа, свободы и внутренней поэтической красоты - его даже называли «неистовый Молдахмед». Кенбаев сумел красоту своей любимой степи изобразить ещё более прекрасной и величественной, лошадей - ещё более свободными и лихими, а людей - цельными и бесконечно увлечёнными.

Его работы вызывают внутренний подъём духа. Даже писав в стиле соцреализма, Кенбаев умело дополнял изображение романтичностью и импрессионизмом. Именно изображение «силы мгновения» было важным для пылкого художника. В его работах всегда можно увидеть какое-то определённое действие, будь то разговор чабанов или сильный ветер, гнущий степные колосья. Всё у Кенбаева дышит, говорит и излучает радостный свет.

В центре сюжета художник изображает традиционный для казахских женщин труд, валяние шерсти. Изображает в своей манере, в ярком колоритном ключе. В окружении чистой первозданной природы на первый план выступает ручной труд человека. Мягкие плавные линии пропитывают полотно и наполняют энергией весны, цветущей травы, тёплого солнца и, возможно, зарождающегося чувства в образе девушки, которая смотрит вдаль на всадника.

Сразу за ним следует представительница прекрасного пола, первая професиональная художница-казашка Айша Галимбаева.

Сейчас трудно представить живописный фонд страны без Айши и её изящных, нежных натюрмортов, великолепных женских образов и тщательно прорисованных казахских национальных костюмов. Художница длительное время находилась в поиске своего стиля, экспериментировала, и в результате этого возникли колористически яркие, традиционно национальные, одушевлённые и просто прекрасные бытовые сюжеты, такие как цветы в вазе, вызывающе аппетитные бауырсаки, кумыс в традиционной посуде и другие предметы, которые вдруг становились чем-то значительным и живущим своей жизнью.

Также её излюбленной темой были женщины, через которых художница передавала идеалы гармонии и красоты.  А все картины отличает филигранное внимание к деталям, даже самым незначительным, но необходимым для создания законченного произведения.

Смелая по композиции картина изображает фрагмент из жизни маленького человека в колыбельной, среди цветущих весенних тюльпанов, образующих некий символический круг. Название картины звучит философски и говорит о том, что человек вечен: вот он родился и спокойно спит, а тем временем круг, по которому он пойдёт, уже принял его в свой центр, из которого начинается движение в вечность.

Следующая строчка занята самым экстравагантным и загадочным Сергеем Калмыковым.

Последний художник русского авангарда и, как он себя сам называл, первый гений. В его гениальности сейчас уже ни у кого нет сомнения; собственно, и при жизни коллеги по цеху из Москвы, увидев его работы в 1950-х годах, признавали Сергея гениальным.

Калмыков легко играл со стилями, смешивая экспрессионизм с сюрреализмом, нередко использовал свой собственный фантастический стиль, который называл «Монстр» - в виде ломаных линий, аллегорических сюжетов, таинственных символов и знаков.

Его метафизическую живопись можно разгадывать бесконечно. При жизни художник был для всех великим чудаком, совершенно одиноким и отдавшим всего себя искусству. По разным подсчётам, художник оставил после себя около полутора тысяч работ и около десяти тысяч страниц рукописей.

На картине изображен овал, напоминающий изображение земли в географических атласах, только внутри овала мягкие расплывчатые линии и тёплые краски создают пейзаж острова Патмос, который находится на другой планете. Весь рисунок выполнен в одной цветовой гамме с пластичными контурами и тремя возвышенностями в центре, словно создающими выпирающие препятствия на пути к солнцу.

Девятую строчку нашего рейтинга занимает народный любимец и самый тенгрианский художник Аубакир Исмаилов.

Его смело можно назвать сыном земли, неба и гор - настолько, безгранично любя, он изображал свой родной край. Рождённый в бурную эпоху перемен, художник, обучаясь в Москве, встречался с такими мэтрами, как Мейерхольд, Станиславский, Эйзенштейн, и, несмотря на все возможности остаться в столице всех искусств, Исмаилов не смог забыть свою родную культуру с её широким раздольем земли, бескрайним небом, величавыми горами и всем тем, что навсегда запечатлелось в его душе. 

В пейзажах художника мы в первую очередь видим необычный ракурс, с которого писал Исмаилов: он словно отрывался от земли, поднимаясь до уровня облаков, чтобы с них уже запечатлеть те чудеса природы, которыми так восхищался.

Все его работы заключают в себе гармонию. Его акварели лёгкие, воздушные и живые. Его панорамные пейзажи величественны по своему облику, сочны по цветовому решению и фактурно глубоки по своей перспективе. Исмаилова можно назвать первым художником Казахстана, который уходил от реализма к романтизму, украшая увиденное цветовыми эффектами и необычным ракурсом.

Грандиозно-панорамный пейзаж ранней осени проявляется в ярко-оранжевом окрасе деревьев и в целом всей красочности природы. Картина поражает своим простором, глубиной и вниманием к деталям: речная пена от порывистого течения, тщательно прорисованные камни, деревья, скалы, уносящие зрителя в окутанные лёгким туманом, величественные и недосягаемые голубовато-лиловые горы.

Завершает рейтинг талантливый и неповторимый мастер аналитического  искусства Павел Зальцман.

Художник, график, писатель. Рисовать начал в юные годы, иллюстрируя советские журналы. Обучаясь у мастера школы аналитического искусства Павла Филонова, навсегда сохранил его влияние на свое творчество.

Не имея профильного образования, Зальцман также учился живописи у своих, как он сам говорил, главных учителей - у Эрмитажа и Русского музея. Оказавшись в военное время в Алма-Ате, куда был эвакуирован с другими сотрудниками Ленфильма из блокадного Ленинграда, долгое время жил в привычной ему нужде и голоде. Далее работал художником Казахфильма и в свободное время писал работы, как говорится, для души: в аналитическо-фигуративной манере, крупным планом изображая лица. Лица как образы передачи смыслов, аллегорий, мыслей. Техника его художественного почерка уникальна: в графике это скрупулёзно выверенные точки и тонкие штрихи, в живописи - наложение друг на друга последовательных слоёв масляных красок.

На картине изображены манерные фигуры людей, полностью покрывающие полотно, в каком-то едином театральном действе. Разность этих людей очевидна и просматривается в одежде, выражении лиц, в устремлённых в разные стороны взглядах. Возможно, это изображение одного человека с его разными альтер эго. Благодаря тому, что работа не дописана, зрители могут увидеть, как рисунок из резких, графических линий при помощи нанесения мазков становился мягким и объёмным.